Die Bilder Honerlas schleichen sich überraschend ins Leben des Betrachters. Sie führen auf neues Terrain, von dessen Existenz wir nur ahnten. Sie laden ein, mit ihnen unsere Tage und Nächte zu verbringen. Sie sind wie ein guter Freund.
ein guter Freund
• geboren in Dresden
• Abendstudium Malerei an der HfbK Dresden
• Studium Malerei und Bildhauerei an der
Kunstakademie Düsseldorf
• Meisterschüler bei
Prof. Tony Cragg
Kontakt
Markus Honerla
Gustav-Freytag-Str. 13
D - 01277 Dresden
+49.172.4406569
Einfach ausgedrückt, beleuchten die verschwommenen Lichter den Teil eines Bildes, der voller Geheimnisse und Magie ist.
Das Meer
Sei mir der Glanz meiner Augen
wenn die Nacht aufzieht
und schenk mir dein wildpochendes Herz
und die schmerzende Wut deiner Wellen
gegen den Sturm und gegen den eisigen Zugriff der Zeit.
Damit meine Sehnsucht in den Rätseln deiner Tiefe leuchtet
und auffliegt mit dem Gesang der schwebenden Ufer.
Sabine Aurich-Rogge Ausstellungseröffnung 2022
Markus Honerlas abstrakte Malerei ist geprägt durch intensive Beschäftigung mit Bildhauerei und Malerei während des Studiums an der Kunstakademie in Düsseldorf, als Meisterschüler von Tony Cragg, sowie später mit Fotografie und digitaler Bildverarbeitung. An der Malerei fasziniert ihn die Unmittelbarkeit der Echtzeit. Nichts kann wie beim Computer limitiert, aufgeblasen oder wiederholt werden. Die Malerei erfordert ein maximales Können. Seine künstlerischen Erfahrungen in den verschiedenen Genres geben seinem Werk einen unverwechselbaren Duktus. Feine Parallellinienreliefs zeigen Schichten und Strukturen auf, die sich aus einem Zusammenhang lösen und über andere geschoben werden. Diese Strukturen und Fragmente ermöglichen unterschiedliche Perspektiven in diverse Welten auf nur einen Blick.
The Frankfurt Art Experience 2020
Es geht um Farbe
Markus Honerla hat in verschiedenen Genres gearbeitet. Gepackt hat ihn die Malerei.
Tony Cragg, Richard Serra, Magdalena Jetelová, Bruce Nauman, Donald Judd – wenn Markus Honerla aufzählt, wer ihn während seiner Zeit an der Düsseldorfer Kunstakademie geprägt hat, klingt das nach dem Documenta-Personal der 80er bis 90er Jahre. In Düsseldorf hatten sich die Erstligisten der Kunst versammelt, lehrten an der Akademie, bestritten Ausstellungen. Honerla hatte gerade noch die Dresdner Abendmalklasse besucht und nicht nur im Vergleich dazu muss ihm Düsseldorf wie die Große Freiheit erschienen sein: Offenheit zwischen den künstlerischen Genres – von Fotografie bis Bühnenbild – statt räumlich getrennter Studiengänge für Malerei und Plastik, Offenheit für alle Strömungen dieser Welt statt regionaler Echokammern.
Doch von der Bildhauerei, die Honerla in Düsseldorf zunehmend intensiver betrieb, ist Malerei geblieben. Und dass dazwischen ein langes Kapitel digitaler Bildbearbeitung lag, im Berlin der Nullerjahre, muss man auch gesagt bekommen. Jetzt zu sehen ist lupenreine Flachware für die Wand, klassisch ausgeführt mit Pinsel und Farbe. Den Beginn markiert ein ganz konkretes Bild: „ASA NISI MASA“ von 2007. Es ist eins der ersten, das Markus Honerla nach gut 20-jähriger Mal-Abstinenz auf die Leinwand brachte. Ein Aufbruch, der mit einer Erkenntnis einherging: Der Kontakt zwischen Künstler und Leinwand ist unmittelbar. Alles, was darauf erscheint, erscheint in Echtzeit und wird weder von der Rechenleistung eines Computers limitiert, noch von dem technischen Aufwand, der in der Bildhauerszene der 90er Jahre üblicherweise betrieben wurde. Im Vergleich dazu ist Malerei eine geradezu organische Arbeitsweise bei minimalem Einsatz der Mittel – die allerdings nach wie vor maximales Können erfordert, um einer Empfindung Form und Farbe zu geben. In Honerlas Fall kommt noch die Struktur hinzu. In der strikt schwarz-weiß abgemischten „Land“-Serie ist sie bildbestimmend: Feine Parallellinienreliefs erschaffen Formen, weiten sich zu Landschaften. In den Etüden wiederum wirkt die Farbe wie aus Papierstreifen geschnitten. Überhaupt verwendet Honerla oft Collage-Optiken, die er dennoch ausschließlich in Farbe ausführt. Lacke übrigens, welche jeweils einen Film bilden, die sich wie viele Folien übereinanderlegen. Und genau diese Technik scheint den Bogen zu schließen: Zur Bildhauerei, wenn Honerla die einzelnen Farbaufträge als abgegrenzte Schichten begreift und sehr genau glänzende und matte Oberflächen nebeneinander setzt. Und zur digitalen Bildbearbeitung, wenn Formen sich plötzlich aus ihrem Zusammenhang lösen und von Honerla über andere geschoben werden.
Am Ende aber geht es um Farbe. Nicht als Textur, sondern als Rot, Gelb, Blau. Die drei Grundfarben, aus denen all diese leuchtenden Bilder entstehen.
Siiri Klose 2018
![Fenêtre ouverte de Matisse II - Der Künstler Henri Matisse entwickelte das Motiv des Fensters als Schnittstelle zwischen innerem und äußerem Bereich kontinuierlich sein Leben lang weiter. Es spielt eine Schlüsselrolle in seinem Werk, nicht zuletzt, weil die Farben der Natur durch das Fenster ins Innere des Ateliers dringen. Die Kunsthistorikerin Shirley Blum untersucht mehr als fünfzig Kunstwerke – beginnend mit dem Gemälde Studio Under the Eaves (1903) bis zur Rosenkranzkapelle in Vence (1951), um die Bedeutung des wiederkehrenden Motivs bei Matisse‘ Arbeiten detailliert nachzuzeichnen. Insofern verfolgen ihre Ausführungen nicht nur die Entwicklung seiner Fensterbilder, sondern eröffnen gleichzeitig einen Überblick über die Stationen dieses Künstlers, der einige der innovativsten abstrakten Bilder des 20. Jahrhunderts schuf. Fauvismus wird in der Kunstgeschichte einer Stilrichtung der Malerei zugeordnet. Sie entstand aus einer Bewegung innerhalb der französischen Avantgarde zu Anfang des 20. Jahrhunderts. Der Fauvismus bildet die erste Bewegung der klassischen Moderne. Die Hauptvertreter der zunächst geschmähten Bewegung waren Henri Matisse, André Derain und Maurice de Vlaminck. Ihnen schlossen sich Raoul Dufy, Albert Marquet, Kees van Dongen, Othon Friesz und Georges Braque an.[1][2] Von einigen Kunsthistorikern werden auch Henri Manguin, Charles Camoin, Jean Puy und Louis Valtat zu den Fauves gezählt, neueren Tendenzen zufolge ebenfalls Georges Rouault.[3] In den fauvistischen Bildern sollte die Farbgebung nicht mehr der illusionistischen Darstellung eines Gegenstandes dienen. Die malerische Aussage entstand aus dem Zusammenklang der Farbflächen. Typisch für die meisten Werke sind ihre leuchtenden Farben. Die Überlegungen zur Darstellung des Raumes sind jedoch ebenso wesentlicher Bestandteil der Bildkomposition.[4][1] Die Wurzeln des Fauvismus entstammen dem Impressionismus, Ziel war aber, der Flüchtigkeit impressionistischer Bilder entgegenzuarbeiten, um dem Werk mehr Dauer (frz. durée) zu verleihen. Eine eigene Theorie oder ein Manifest hatte der Fauvismus dabei nicht. Einer neueren Sichtweise zufolge habe der Fauvismus Gemeinsamkeiten mit dem Expressionismus.](images/v/honerla-bilder-2021-09-1890.jpg)
![Fenêtre ouverte de Matisse I - Der Künstler Henri Matisse entwickelte das Motiv des Fensters als Schnittstelle zwischen innerem und äußerem Bereich kontinuierlich sein Leben lang weiter. Es spielt eine Schlüsselrolle in seinem Werk, nicht zuletzt, weil die Farben der Natur durch das Fenster ins Innere des Ateliers dringen. Die Kunsthistorikerin Shirley Blum untersucht mehr als fünfzig Kunstwerke – beginnend mit dem Gemälde Studio Under the Eaves (1903) bis zur Rosenkranzkapelle in Vence (1951), um die Bedeutung des wiederkehrenden Motivs bei Matisse‘ Arbeiten detailliert nachzuzeichnen. Insofern verfolgen ihre Ausführungen nicht nur die Entwicklung seiner Fensterbilder, sondern eröffnen gleichzeitig einen Überblick über die Stationen dieses Künstlers, der einige der innovativsten abstrakten Bilder des 20. Jahrhunderts schuf. Fauvismus wird in der Kunstgeschichte einer Stilrichtung der Malerei zugeordnet. Sie entstand aus einer Bewegung innerhalb der französischen Avantgarde zu Anfang des 20. Jahrhunderts. Der Fauvismus bildet die erste Bewegung der klassischen Moderne. Die Hauptvertreter der zunächst geschmähten Bewegung waren Henri Matisse, André Derain und Maurice de Vlaminck. Ihnen schlossen sich Raoul Dufy, Albert Marquet, Kees van Dongen, Othon Friesz und Georges Braque an.[1][2] Von einigen Kunsthistorikern werden auch Henri Manguin, Charles Camoin, Jean Puy und Louis Valtat zu den Fauves gezählt, neueren Tendenzen zufolge ebenfalls Georges Rouault.[3] In den fauvistischen Bildern sollte die Farbgebung nicht mehr der illusionistischen Darstellung eines Gegenstandes dienen. Die malerische Aussage entstand aus dem Zusammenklang der Farbflächen. Typisch für die meisten Werke sind ihre leuchtenden Farben. Die Überlegungen zur Darstellung des Raumes sind jedoch ebenso wesentlicher Bestandteil der Bildkomposition.[4][1] Die Wurzeln des Fauvismus entstammen dem Impressionismus, Ziel war aber, der Flüchtigkeit impressionistischer Bilder entgegenzuarbeiten, um dem Werk mehr Dauer (frz. durée) zu verleihen. Eine eigene Theorie oder ein Manifest hatte der Fauvismus dabei nicht. Einer neueren Sichtweise zufolge habe der Fauvismus Gemeinsamkeiten mit dem Expressionismus. Das Motiv des Fensters in der Malerei hat eine lange Tradition. Jan van Eyck zeigte uns zum Beispiel 1436 in „Die Madonna des Kanzlers Rolin“ eine idealisierte Außenwelt, Albrecht Dürers Selbstbildnis von 1498 eröffnet einen kleinen Ausschnitt in eine erfundene Natur und Edward Hopper thematisierte im 20 Jh. entweder den Blick von außen nach innen oder von innen nach außen in fast allen seinen Werken. Das Fenstermotiv ist ganz besonders heute in der Zeit der zu lösenden Umweltprobleme und sich ankündigenden Transformationen ein aktuelles Thema, das den Betrachtern die Schwelle von innen nach außen aufzeigt. Die Galerie Berghout hat eine Reihe von Ausstellungen über die Natur begonnen, die nun in dieser Ausstellung „Unvorhergesehenes“ von Markus Honerla Positionen von der Schwelle des Fensters offenbart. Die Werke sind eine zeitgenössische Interpretation der Blicke aus einer vermeintlich sicheren Innenwelt in die uns fremd werdende Außenwelt. Sind diese Fensterwerke eine Metapher für den derzeitigen Zustand in der Natur und eine Aussicht in eine unvorhergesehene Welt? Die Menschheit steht vor der Schwelle in eine Zukunft, die ein Umdenken unserer Gewohnheiten fordert. Die Fenster und deren Ausblicke in die Außenwelt zeigen für jeden einzeln von uns eine unterschiedliche Position und ein vielschichtiges Panorama der individuellen Wirklichkeit. Der malerische Blick von Markus Honerla aus seinen Fenstern heraus lässt die Diversität der Aufgaben erahnen, die die Natur von uns fordert. Trotz der unterschiedlichen Perspektiven und Wahrnehmungen für die Außenwelt und Natur müssen wir uns alle zusammenfinden, um gemeinsam unseren Planeten nachhaltig zu bewahren. Honerla‘s Fenster eröffnen uns Blicke in das Unvorhergesehene. Schwellen ermöglichen uns Übertritte nach außen, um endlich den respektvollen Weit- und Überblick zu erlangen. Gloria Berghout, Juli 2021](images/6/honerla-bilder-2021-08-1890.jpg)
![Bouquet - Blumen Flowers Stillleben still life Stillleben (früher Stilleben) bezeichnet in der Geschichte der europäischen Kunsttradition die Darstellung toter bzw. regloser Gegenstände (Blumen, Früchte, tote Tiere, Gläser, Instrumente o. a.).[1] Deren Auswahl und Gruppierung erfolgte nach inhaltlichen (oft symbolischen) und ästhetischen Aspekten. Zu einer eigenständigen Gattung der Malerei entwickelten sich diese Darstellungen am Anfang des 17. Jahrhunderts im Barock. Es wird unterschieden nach den dargestellten Gegenständen; es ergeben sich so die Unterarten Blumen-, Bücher-, Fisch-, Früchte-, Frühstücks-, Jagd-, Küchen-, Markt-, Musikinstrumente-, Vanitas- oder Waffenstillleben. Die Übergänge zu den Bildgattungen Interieur, Tierstück oder Genre sind zuweilen fließend. Der Begriff stil leven (niederl.: stil = unbewegt und leven = Dasein) für ein Gemälde ist zum ersten Mal um 1650 in einem holländischen Inventar zu finden.](images/8/honerla-bilder-2021-05a-1890.jpg)
![Bouquet - Blumen Flowers Stillleben still life Stillleben (früher Stilleben) bezeichnet in der Geschichte der europäischen Kunsttradition die Darstellung toter bzw. regloser Gegenstände (Blumen, Früchte, tote Tiere, Gläser, Instrumente o. a.).[1] Deren Auswahl und Gruppierung erfolgte nach inhaltlichen (oft symbolischen) und ästhetischen Aspekten. Zu einer eigenständigen Gattung der Malerei entwickelten sich diese Darstellungen am Anfang des 17. Jahrhunderts im Barock. Es wird unterschieden nach den dargestellten Gegenständen; es ergeben sich so die Unterarten Blumen-, Bücher-, Fisch-, Früchte-, Frühstücks-, Jagd-, Küchen-, Markt-, Musikinstrumente-, Vanitas- oder Waffenstillleben. Die Übergänge zu den Bildgattungen Interieur, Tierstück oder Genre sind zuweilen fließend. Der Begriff stil leven (niederl.: stil = unbewegt und leven = Dasein) für ein Gemälde ist zum ersten Mal um 1650 in einem holländischen Inventar zu finden.](images/h/honerla-bilder-2021-05b-1890.jpg)
![Le fauteuil jaune de Matisse - Henri Matisse [ɑ̃ʁi matis], vollständiger Name: Henri Émile Benoît Matisse (* 31. Dezember 1869 in Le Cateau-Cambrésis, Département Nord, Frankreich; † 3. November 1954 in Cimiez, heute ein Stadtteil von Nizza), war ein französischer Maler, Grafiker, Zeichner und Bildhauer. Er zählt mit Pablo Picasso zu den bedeutendsten Künstlern der Klassischen Moderne. Neben André Derain gilt er als Wegbereiter und Hauptvertreter des Fauvismus, der die Loslösung vom Impressionismus propagierte und die erste künstlerische Bewegung des 20. Jahrhunderts darstellt. Matisse’ Werk ist getragen von einer flächenhaften Farbgebung und spannungsgeladenen Linien. In seinen Gemälden sind die Farbgebung, der spielerische Bildaufbau und die Leichtigkeit seiner Bildthemen das Ergebnis langer Studien.[1] Mit seinen in den 1940er Jahren entstandenen Scherenschnitten (gouaches découpées) – ein Beispiel ist das Künstlerbuch Jazz – schuf Matisse, der schwer erkrankt war, ein Spätwerk, das seine Reduktionsbestrebungen zum Abschluss bringt und mit seiner Farbigkeit und Ornamentik als Höhepunkt seiner künstlerischen Laufbahn gilt.[2] Die von ihm geplante und ausgestattete Rosenkranzkapelle in Vence, eingeweiht im Jahr 1951, hielt der Künstler für sein Meisterwerk.[3] Seine stilistischen Neuerungen beeinflussten die Moderne Kunst. So bezogen sich die abstrakten Expressionisten in den USA wiederholt auf sein Werk.](images/a/honerla-bilder-2015-15-1890.jpg)
![L'été de Matisse - In Matisse’ Bildwelt erhält die Farbe durch flächig-dekorativen und ornamentalen Einsatz unter Auslassung ihrer räumlichen Gestaltungsaspekte autonomen Charakter. Die Farbgebung wird hierbei weder der Lokalfarbe noch der Beschreibung von Oberflächenstrukturen unterworfen. Matisse setzt sie vielmehr als Mittel ein, die farblichen Empfindungen, die durch den Eindruck des Motivs im Maler ausgelöst werden, wiederzugeben. Auf seinem Weg über den Fauvismus schuf er eine Bildwelt, in der dem Gegenstand nicht mehr Bedeutung beigemessen wird als dem Binnenraum, das heißt dem Raum zwischen den Gegenständen. Keine dieser Formen ist einer anderen bei der Verwirklichung der ‚expression‘ (‚Ausdruck und Aussage‘) als Gestaltungselement über- respektive untergeordnet. Die ‚expression‘ kann nach dieser Auffassung nur durch die Anordnung und den Zusammenhang der Farbformen – Farbe und Form sind eins – untereinander realisiert werden. Durch diese Sichtweise wird Naturbeobachtung (Objekt) nicht nur zum Anlass der farblichen Empfindungen (Subjekt), sondern in ihrem wechselseitigen Miteinander auch zu einem Korrektiv innerhalb des Schaffensprozesses erhoben. In diesem Sinne sah sich Matisse der Tradition verbunden. So hat Matisse – wie auch Picasso – nie den Schritt zur völligen Abstraktion vollzogen, da auf diese Weise, wie er betonte, die Abstraktion nur imitiert werde.[40] Charakteristisch für Matisse’ Bildaufbau ist des Weiteren, dass er die Objekte linearisiert. Die räumlichen Beziehungen zwischen den Objekten treten in den Hintergrund, werden aufgelöst, ohne jedoch ihre Raumbezüge völlig zu negieren. So hob er hervor, dass durch die Gleichstellung der Formen – Gegenstand und Binnenraum – sowie durch die Autonomie der Farbe eine Linearisierung der Bildelemente notwendig sei und umgekehrt. Das in jenen Tagen immer stärker aufkommende Bedürfnis nach Originalität und Individualität einerseits und die Abneigung gegenüber den aus der Sicht ihrer Gegner „degenerierten“ Sichtweisen der immer noch etablierten Akademien andererseits führten dazu, dass viele Maler eine eigene Position beziehen wollten.[41] So fand Matisse zwar in Cézanne die Figur des spiritus rector[42], jedoch intendierte er nicht, Cézannes Werk weiterzuführen.](images/8/honerla-bilder-2015-16-1890.jpg)
![Brain Y. K. - Yves Klein (korrekte Aussprache: [iv klɛ̃], * 28. April 1928 in Nizza; † 6. Juni 1962 in Paris) war ein französischer Maler, Bildhauer und Performancekünstler. Er war Mitbegründer und führender Vertreter der Nouveau Réalisme genannten Kunstströmung in Frankreich. Ab 1957 entwickelte Klein die Anthropometrien mit Modellen, die nackt und mit blauer Farbe getränkt die Leinwand mit ihrem Körper bemalten. Hierzu fand als erstes größeres Ereignis 1960 in der Galerie Internationale d’Art Contemporain in Paris die Performance Anthropometrie der Blauen Epoche statt. Dazu spielte ein Orchester ein von Klein komponiertes Stück, die Monotone Symphonie, die nur aus einem einzigen Klang bestand.](images/j/honerla-bilder-2008-05-1890.jpg)
![Neu-Amerika - Ursprünglich wurde nur das frühere Köhlergut so genannt, weil der Legende nach ein Erzgebirger nach Amerika auswandern wollte[1]. In Hamburg überkam ihn aber bereits so großes Heimweh, dass er in seine erzgebirgische Heimat zurückkehrte und sich im Köhlergut niederließ. Seitdem wird es Neu-Amerika genannt. Der Straßengasthof übernahm später diesen Namen.](images/6/honerla-bilder-2008-02-1890.jpg)
![Pin-up - Ein Pin-up ist ein Bild, das üblicherweise eine Frau in erotischer Pose zeigt und an eine Wand geheftet wird. Man kann die Illustrationen mit dem Motiv schöner Frauen in drei Kategorien unterteilen, deren Grenzen zum Teil fließend ineinander übergehen. Pin-up[Bearbeiten | Quelltext bearbeiten] Ein Pin-up ist ein Ganzfigurenbild mit einem erzählerischen Element. Die Frau auf dem Bild trägt entweder ein figurbetontes Kleidungsstück, das sie außer Haus tragen kann (z. B. Badeanzug, Sportdress oder ein knappes Kleidchen) oder etwas Provokantes, Intimes wie ein Negligé oder Dessous. Nackte Pin-ups sind hingegen, wie bereits erwähnt, die Ausnahme. Glamour-Girl[Bearbeiten | Quelltext bearbeiten] Die nächste Kategorie, das Glamour-Girl, ist entweder ein Ganz- oder ein Brustbild. Die dargestellte Frau trägt gewöhnlich ein Abendkleid oder ein Kostüm, das weniger freizügig ist als die Bekleidung der Pin-up. Pretty-Girl[Bearbeiten | Quelltext bearbeiten] Die dritte Kategorie ist die der Pretty-Girls. Sie wurden von Illustratoren gezeichnet, die für „seriöse“ Zeitschriften tätig waren. Die Frauen auf den Bildern waren im Glamour-Stil gemalt. Die Bezeichnungen „Pin-up-Kunst“ und „Glamour-Kunst“ beziehen sich also auf Künstler, die sich auf diese Sparte spezialisiert hatten. Unter „Pretty-Kunst“ versteht man fast immer Motive von Künstlern, die sich normalerweise auf andere Genre konzentrierten.](images/0/honerla-bilder-2007-02-1890.jpg)
